En la etapa de clásicos literarios, se están distribuyendo en formato de bolsillo determinadas obras de referencia en el campo del arte lírico. Este es el caso del famoso Orfeo y Eurídicede Christoph Willibald Gluck (1714-1787), representada, hasta el sábado 18 de febrero, en el Théâtre de l’Athénée, en París, en una adaptación que reduce la orquesta a un grupo de ocho músicos y el coro a un conjunto de cuatro unidades .
Una versión de cámara, en cierto modo, e incluso de cámara funeraria ya que la ópera comienza cuando Orfeo se lamenta junto a la tumba de Eurídice, la esposa que le fue arrebatada el día de su boda. La oscuridad es total cuando suben las primeras notas pero da la impresión de ver un gusano resplandeciente serpenteando en el foso. ¿La chef, Fiona Monbet, tiene una baguette extendida por una lupa? Si esta cartilla mágica sumerge inmediatamente al espectador en una visión onírica, lo que pretende es anclarlo de forma duradera en el universo del limbo.
Sonoridades filamentosas, texturas inmateriales, contornos fantasmales, la actividad de los instrumentos consiste en soltar quimeras esquivas mientras la del coro, incisiva, tiende a grabar, en el mármol de las voces sepulcrales, el enunciado de la triste realidad. Una pulsación, tenue pero inexorable, asegura, además, el fundamento simbólico del drama al evocar los latidos del corazón. ¿Hacer oír la pérdida de energía de una promesa de Eurídice a la hibernación eterna o sugerir la creciente determinación de un Orfeo que lucha contra el destino?
De un extremo a otro de este espectáculo llevado por sutiles soplos, parece que es sobre todo el corazón de la partitura de Gluck el que sigue latiendo en el nuevo cuerpo que la compañía ampliada Miroirs le ha dado forma, en el nombre perfectamente justificado. En efecto, en su dinámico cara a cara con la modelo, este colectivo de artistas treintañeros no se contenta con devolver una imagen fiel de la obra original sino que busca dotarla de multitud de reflexiones a través del juego de una reflexión auténticamente contemporánea.
reescritura refinada
Sobria en la gestión de los seres como en la del atrezo, la puesta en escena de Thomas Bouvet utiliza con criterio la profundidad, a veces a través de una cortina de tul, para crear un espacio capaz de representar las fluctuaciones del horizonte del héroe. Primero obstruido, luego limitado y finalmente condenado a la elevación. Las imágenes resultantes son de gran belleza y pretenden emocionar más que asombrar. Incluso durante la aparición holográfica de Love bajo la apariencia de una mujer de tamaño gigantesco que se asemeja a un signo de exclamación carnal en un mensaje de humo. Otra idea muy inspirada, la transformación de Cerbère en un Jimi Hendrix del inframundo, que ruge a través de la herramienta de una guitarra eléctrica con distorsiones fantasmagóricas.
Te queda por leer el 36,26% de este artículo. Lo siguiente es solo para suscriptores.